Restitution très partielle et partiale d’une quarantaine de réponses reçues à un questionnaire adressé à des artistes, des critiques et des philosophes. Ces réponses — plus particulièrement les réponses à la cinquième question : « Pourquoi la peinture se maintient-elle ? » — dessinent un engagement dans la peinture qui revendiquerait une temporalité partagée entre une origine, lieu de légitimation, et un présent arrêté : puisque la peinture est toujours déjà-là, faisons de la peinture. La peinture aurait ainsi acquis une inefficacité active, qu’on pourrait appeler, sous la forme d’un oxymore, une possibilité négative.

La peinture moderne n’est peut-être pas, ou pas seulement, la peinture de la modernité. Baudelaire l’a prédit (de même qu’il a pu voir une modernité au cœur de chaque grand peintre du passé) : la peinture moderne se caractérise fondamentalement par son engagement critique. Critique de quoi ? D’elle-même et de son temps. C’est le Sujet, le sujet de la métaphysique classique qui se trouve radicalement mis en cause. La modernité picturale impose le renouvellement radical de sa représentation.

Sean Scully commente souvent l’œuvre des autres. Il évoque ceux, de différentes époques, qui sont présents dans son propre travail, exprimant qu’il existe un temps continu de la peinture. Il en parle avec simplicité et justesse pour penser une esthétique de l’abstraction au-delà du minimalisme pictural. DORIC, série de grands formats, commencée en 2008, est associée par les titres à la Grèce antique.
Les références à l’antiquité s’appuient sur le style dorique de l’architecture. Une convergence s’établit entre la rigueur de ce style et sa peinture. Un étrange paradoxe existe entre la lumière éclatante de la Sicile où il photographie l’architecture blanche des temples et les obscures DORIC : s’y sont introduit les peintres de prédilection de Scully pour le noir : Zurbaran, Manet, Matisse, Rothko.

Depuis les années 70, au cours desquelles se sont confortées les nouvelles catégories artistiques de la décennie précédente (entre autres les performances, l’art utilisant la vidéo et l’art conceptuel), des artistes ont continué à peindre bien que, fortement aidés par les critiques d’art de l’époque, ils aient acquis une conscience aiguë de l’aspect « dépassé » de leur technique, déjà ancienne et sans actualité dans un monde où l’accélération prévaut en tous les domaines.
En effet, parmi les peintres qui ont émergé dans les années suivantes, il en est quelques-uns qui ont retourné la valeur négative du handicap supposé de cette technique, pour faire de cet aspect « dépassé » un moteur de création. Les œuvres picturales de François Rouan, Carole Benzaken et Angel Vergara, nourriront ici cette réflexion sur la notion de retard devenant un composant poïétique ou réceptif.

Journée d’étude, samedi 9 avril 2016, en lien avec l’exposition au Musée de la Toile de Jouy (Jouy-en-Josas)
Responsable : Sandrine Morsillo
Musée de la Toile de Jouy, 54 rue Charles de Gaulle, 78350 Jouy-en-Josas

Willem de Kooning, l’un de représentants majeurs de ce mouvement que l’on appelle l’expressionnisme abstrait, a toujours revendiqué sa peinture en tant que figurative. Selon ses propres mots, les possibilités offertes par la peinture moderne nous permettent de sortir du carcan dialectique figuration/abstraction et d’envisager des nouvelles manières de voir.
Suivant l’évolution du peintre, ce texte propose de déjouer la double aporie conceptuelle soutenue par les termes d’« abstraction » et d’« image » et de faire un pas supplémentaire vers une compréhension plus juste du signifiant pictural.